Le photographe Bill Brandt

Vendredi 16 décembre 2005, je suis allé pour la première fois à la Fondation Henri Cartier-Bresson (HCB) à Paris (14e arrondissement). Elle est ouverte depuis mai 2003 dans un ancien atelier d'artiste du quartier Montparnasse, et je n'y étais malheureusement jamais allé encore.

C'était pour y voir l'exposition rétrospective des photographies de Bill Brandt (du 21 septembre au 18 décembre 2005), présentée en collaboration avec le Bill Brandt Archive de Londres.

Bill Brandt (1904-1983) est un photographe anglais qui inaugura dès le début des années 30 le reportage social, en l'occurrence sur les classes de la société britannique. Il s'est consacré ensuite à d'autres genres : portraits d'artistes, paysages et nus.

S'il a débuté par le reportage social, ce n'est pourtant pas du tout un tenant de l'instantané et de la captation du fugace : "Le travail du photographe consiste, en partie, à voir les choses plus intensément que la plupart des gens.", dit-il. L'exposition est constituée presque en totalité de tirages d'époque effectués par Brandt lui-même, et c'est essentiel puisqu'il considère que le travail avec l'agrandisseur, en chambre noire, fait partie de la réalisation de l'oeuvre, qui ne s'arrête pas à la prise vue.

Son oeuvre exposée ici est constituée de 117 photographies de format moyen, exclusivement en noir et blanc, fortement contrastées le plus souvent et essentiellement en format vertical (format "portrait" au lieu du format "paysage"). Ses photos sont probablement souvent recadrées, pour donner lieu à des cadrages serrés et à des structures d'images en deux tiers/un tiers, dans lesquelles l'objet essentiel de l'image n'est jamais tout à fait au centre. La Fondation HCB parle très justement dans sa présentation de l'exposition de la "profonde sincérité des artifices mis en oeuvre". Dès ses débuts, y compris dans le reportage social où il n'hésite pas à faire poser les gens, il s'agit donc d'une oeuvre réfléchie et travaillée par un souci formel, qui s'exprime par les points de vue, les cadrages et les effets de plastique et de texture. Avec Brandt, la photographie ne serait-elle plus un art de l'instant ou du mouvement ("La photographie n'est pas un sport.", dit-il), mais un art du temps, comme le disait Serge Daney du cinéma ?

Dans son oeuvre, mon goût va d'abord à ses vues urbaines (Halifax, Londres, Newcastle) et à ses paysages naturels, aux contrastes saturés et aux ambiances mystérieuses.

Le portail Photosapiens fournit un texte de Brandt sur son oeuvre et une présentation de l'exposition.

Photo : Snicket in Halifax, c. 1937, issue du site www.stanford.edu

Le château de Saint-Germain-en-Laye

Dimanche 11 décembre 2005, je suis sorti en famille pour, à l'origine, aller voir l'exposition "Chefs-d'oeuvre préhistoriques du Périgord" (du 5 octobre 2005 au 9 janvier 2006) dans le château de Saint-Germain-en-Laye (78). Cette exposition temporaire s'avère être destinée au Musée national de préhistoire des Eyzies-de-Tayac (24), où elle eut lieu du 23 juin au 19 septembre 2005. Elle propose 12 chefs-d'oeuvre originaires du Périgord, mais en fait détenus par le Musée d'archéologie nationale de Saint-Germain (Musée "des Antiquités nationales" jusqu'à cette année).

La révélation ne fut donc pas cette exposition, mais bien le château et son cadre : la ville et le parc en terrasse au dessus de la Seine, par ce magnifique jour d'hiver (ou presque). Sans oublier le musée lui-même, très riche, rénové et pédagogique pour sa partie préhistorique.

Il s'agit aujourd'hui d'un château de style Renaissance, restauré dans l'état qu'avait voulu François Ier. L'importante présence de la brique en complément de la pierre fait de ce château l'un des plus étonnants et des plus beaux d'Ile-de-France. Ici : la cour d'honneur et la Sainte-Chapelle, traversée de lumière. C'est toujours un plaisir pour un Toulousain de voir en terre d'oïl un bâtiment qui donne une large place à la brique rouge !

Photo : Henri Gay 2005

Le peintre Anne-Louis Girodet

Vendredi 9 décembre 2005, je suis allé voir l'exposition "Girodet 1767-1824" au Musée du Louvre (Hall Napoléon, du 22 septembre 2005 au 2 janvier 2006).

Elève de Jacques-Louis David, le peintre Anne-Louis Girodet-Trioson a fait évoluer la peinture vers la représentation de la sensualité et des sentiments (Le Sommeil d'Endymion, 1791), allant jusqu'à évoquer un homo-érotisme. Il a ouvert la peinture à la représentation du fantastique (Apothéose des héros français morts pour la patrie, 1800) et du romantisme (fameux Portrait de Chateaubriand, 1808).

Ses qualités de dessin et son sens du détail sont accentués par les tableaux où les effets de sfumato dominent. Ici, la La Révolte du Caire (1810) est l'un de ses plus grands tableaux par sa tension, sa représentation du mouvement de foule et de l'Histoire (porté par la diagonale de l'escalier), par l'expression d'effroi des yeux exhorbités et les jeux de regards qu'ils créent (comme dans plusieurs autres tableaux de Girodet), par l'effet de réalisme et de magie des objets (armes, casques, vêtements, ...).

Photo : issue du site sevydyan.canalblog.com

Le Cirque de Pékin

Inévitable, le spectacle de Noël offert par l'employeur aux enfants des employés...

Cette année, c'est le spectacle "Légendes !!!" par les Etoiles du Cirque de Pékin que je suis allé voir mercredi 7 décembre 2005, sous le chapiteau du cirque Phénix, sur la Pelouse de Reuilly à Paris (du 23 novembre au 8 janvier à Paris, en tournée jusqu'au 30 mars en province, durée : 2h30).

Sur le thème des contes chinois, ce spectacle est composé d'une quinzaine de numéros rapidement enchaînés, dont un impressionnant numéro de Wu Shu, déclinaison d'un art martial ancestral.

Photo : Henri Gay 2005

Le peintre Maurice Utrillo

Dimanche 4 décembre 2005, je suis allé voir, à l'Hôtel de ville d'Aulnay-sous-Bois, soit à deux pas de mon domicile, l'exposition "Utrillo, Valadon, Utter" (du 12 novembre au 11 décembre 2005).

Organisée par l'Ecole d'art Claude Monnet et la mairie d'Aulnay, l'exposition sur le peintre Maurice Utrillo (1883-1955) est bien documentée : tableaux provenant de grands musées (Beaubourg, New York), rapprochement avec des photos (vues parisiennes d'Eugène Atget notamment).

Maurice Utrillo est le fils de Suzanne Valadon (1867-1938), modèle de peintres (Degas, Renoir, Toulouse-Lautrec, ...) et peintre elle-même. En 1914, Suzanne Valadon a épousé André Utter (1886-1948), ami d'enfance de son fils et peintre lui-aussi.

Maurice Utrillo est un peintre "naïf" de l'Ecole de Paris (avant la première guerre mondiale : Chagall, Modigliani, Soutine), qui a peint beaucoup de vues urbaines de Paris et de la région parisienne, parfois avec un grand réalisme. Voyez une série de reproductions de ses tableaux ici.

Si Utrillo n'est pas un grand peintre (la présence d'un seul tableau de Maurice de Vlaminck l'écrase), sa dernière période, stylisée, lumineuse, colorée et spacieuse est néanmoins originale. L'exposition culmine ainsi avec Quai de Passy sous la neige (1955), vue de Paris en grand format avec ses personnages et ses arbres simplifiés et colorés.

Photo : Henri Gay 2005

Que Dubo, que Dubon... l'affichiste A.M. Cassandre

Dubo, Dubon, Dubonnet... vous connaissez ? L'affiche et son fameux personnage buveur sont l'oeuvre de Adolphe Mouron-Cassandre (Adolphe Jean-Marie Mouron, 1901-1968), auquel la BnF consacre une exposition : "A.M. Cassandre, oeuvres graphiques modernes 1923-1939" (du 20 septembre au 4 décembre 2005, dans la Galerie Mazarine du site Richelieu), que je suis allé voir vendredi 2 décembre 2005.

Le logotype de Yves Saint-Laurent ? C'est lui aussi !

Voyez 24 affiches ou maquettes ici.

Sa manière stylisée, architecturale, monumentale, de dessiner donne une grande force visuelle à ses affiches. Ce sont les détails courbes de ses dessins pris dans des structures à dominante géométrique qui créent l'identité et l'émotion de son style.

Quant à sa conception profonde que l'art doit être utile et pris dans l'économie de son époque, elle n'est pas faite pour me déplaire, ni pour déplaire aux médiologues... "j'espérais trouver [dans l'industrie] cette vie que je ne pouvais plus rencontrer dans les cimetières des marchands de tableaux.", dit-il ainsi. Cassandre s'est suicidé en 1968...

Photo : Henri Gay 2005

Musique : taarab de Zanzibar

Samedi 26 novembre 2005, je suis allé au concert de l'Ikhwani Safaa Musical Club au Théâtre de la Ville (Mairie de Paris).

Il s'agit de musique populaire (taarab) de l'île de Zanzibar (Tanzanie). "Ikhwani Safaa" veut dire "Amicale fraternelle", et le Théâtre de la Ville compare ce groupe au Buena Vista Social Club de Cuba. 12 musiciens sur scène et une chanteuse invitée (Bi Kidudi), des instruments variés (violon, basse, oud, qanoun, accordéons, percussions) et un répertoire qui va de la musique noire de l'esclavage jusqu'au Moyen-Orient en passant par l'Afrique continentale : ambiance garantie !

Quelques (trop courts) extraits du disque peuvent être écoutés ici.

Photo : couverture d'un disque issue du site fnac.com

Aulnay sous la neige

Samedi 26 novembre 2005, il neige sur la région parisienne, alors que les arbres n'ont pas encore perdu leur feuillage...

Ici, un pavillon à Aulnay-sous-Bois.

Photo : Henri Gay 2005

Peter Klasen photographe

Vendredi 25 novembre 2005, je suis allé voir le cycle d'expositions de la Maison européenne de la photographie (Mairie de Paris), d'abord pour y voir l'exposition "Peter Klasen : Nowhere Anywhere - Confrontations : Photographies 1970-2005" (du 28 septembre au 27 novembre 2005).

Peter Klasen est un peintre (Allemand, né en 1935), fondateur du mouvement de la Nouvelle figuration ou Figuration narrative au début des années 60. Son oeuvre utilise les signes et codes de la société urbaine. L'exposition présente l'univers peu connu de ses photographies qui sont le point de départ de son œuvre picturale : Klasen fait des photos "de la même manière que d'autres artistes font des carnets de croquis." , dit-il à Libération (du 10 novembre 2005).

L'exposition de la MEP présente une cinquantaine de photographies en couleurs, tirées en grand format sur plexiglass brillant ou rétroéclairées. Ce sont les prises de vues en gros plan de fragments usagés de machines : manomètres, verrous métalliques, durites de circuits hydrauliques, tuyauteries, câbles, tôles et bâches d’engins de travaux publics, de wagons et de camions. Ces photographies sont assemblées par groupes ou séries, jouant de la complémentarité ou de l'alternance des couleurs. Cinq tableaux sont présentés en regard de photos.

Même si ces photos ne sont pas destinées à être l'oeuvre en soi, elles sont d'un bel effet et la singularité de leur cadrage les rend créatives. Décidément, la photographie en couleur a acquis sa légitimité artistique.

Photo : issu du site de la MEP (mep-fr.org)

Pierrefonds dans la brume

Après une première visite le 15 août 2005, je suis revenu visiter le château de Pierrefonds (Oise) samedi 19 novembre. Ce jour là, le brouillard n'a pas décollé du bassin parisien, donnant au vaisseau de Viollet-le-Duc des allures wagnériennes...

Photo : Henri Gay 2005

Graffiti gendarmophobe

Petit séjour en Normandie du 10 au 12 novembre 2005, dans la région rouennaise, qui n'échappait pas - loin s'en faut - à la soudaine hausse de température du corps social.

On saluera ici (photo prise le 12 novembre à Pont-de-l'Arche, 27) la tenue langagière, qui évite à la fois l'anglophonie ("Fuck the cops") et le registre vulgaire ("Nique les cognes").

Avec mes excuses anticipées à la maréchaussée archépontaine.

Photo : Henri Gay 2005

La Déesse a 50 ans

Mardi 25 octobre 2005, je suis allé voir l'exposition sur le "Cinquantenaire de la Citroën DS" à la Cité des sciences et de l'industrie (du 23 juin au 1er novembre 2005).

Tout bon sémiologue (cf. Roland Barthes : "La nouvelle Citroën" in Mythologies, Ed. du Seuil, 1957) et tout bon médiologue ne peuvent que s'intéresser à la Voiture à grande diffusion (VGD, puisque c'est le nom originel du programme de la DS). Elle s'est effectivement diffusée à près d'un million et demi d'exemplaires en 20 ans, de 1955 à 1975. Le médiologue s'intéresse à la technique (pour ses effets), et l'exposition a le mérite de l'être (technique), détaillant les innovations apportées par la DS à la voiture et à sa réception sociale. La centrale haute pression tient ainsi une place majeure dans le projet industriel comme dans l'exposition : elle donne lieu à l'embrayage automatique, à la suspension hydropneumatique, à la direction et au freinage (par disque) assistés.

Dessinée par Flaminio Bertoni et conçue par André Lefebvre (à qui on doit la Traction Avant et la 2CV), la DS sort en 1955 et l'ID en 1957 (l'ID est une DS de bas de gamme, sans centrale haute pression). Visuellement, la DS se distingue de l'ID par son levier de vitesse dressé au dessus du tableau de bord (boîte de vitesse semi-automatique), et - semble-t'il - par ses chevrons couleur or (couleur argent pour l'ID).

En 1961, la DS reçoit l'injection électronique. En 1967, elle est restylée : les optiques sont alors carénées. Les projecteurs principaux suivent horizontalement la direction et les projecteurs secondaires se règlent verticalement selon l'assiette du véhicule. En 1973, la DS est produite dans la nouvelle usine d'Aulnay-sous-Bois, en remplacement de l'usine du quai de Javel à Paris. Ainsi le 17 septembre 2005, j'ai pu observer un rassemblement de DS à Aulnay à l'occasion des journées du patrimoine (17 et 18 septembre 2005) et prendre place avec mon fils aîné Raymond dans une DS 20 (modèle 1971) pour un long tour dans ma ville :














La photo d'en haut est une photo personnelle d'une miniature célébrant la production du premier exemplaire à Aulnay et présentée dans l'exposition de la Cité des sciences.

Souvenir du temps où, enfant, j'ai dû monter une fois à l'arrière d'une DS. Souvenir du temps où je m'écriais "Pompidou !" lorsque je voyais passer une DS noire dans ma campagne... Souvenir du temps où je conduisais une DS cabriolet (couleur bordeaux)... à pédales !

Photos : Henri Gay 2005

Le Festin des dinosaures

Dimanche 23 octobre 2005, je suis allé voir en famille, au Palais de la découverte, l'exposition "Le Festin des dinosaures : des T-Rex envahissent le Palais" (du 18 octobre 2005 au 23 avril 2006).
Quatre scènes présentent des reconstitutions de dinosaures, en grandeur réelle et animés de quelques mouvements. Une impressionnante exposition-spectacle.

Photo : Henri Gay 2005

10 photographes Magnum dans les 10 nouveaux pays de l'UE

Vendredi 21 octobre, j'ai vu l'exposition "Euro Visions : les nouveaux européens par dix photographes de Magnum" au Centre Pompidou (du 15 septembre au 24 ocotobre 2005). De juillet 2004 à avril 2005, 10 photographes de l'agence Magnum ont photographié chacun un des 10 pays entrés dans l'Union européenne le 1er mai 2004.

Patrick Zachmann présente la Hongrie par un mur de photos, de formats divers, en noir et blanc et en couleur. La qualité de Zachmann n'est plus à démontrer, notamment dans ses photos en noir et blanc.

Martin Parr présente la Slovénie par quelques photos en couleur de grand format. Ses photos sont aussi à la hauteur de son oeuvre.

Chris Steeele-Perkins présente la Slovaquie par 14 albums photographiques thématiques (papier), qui lui permettent de montrer beaucoup plus de photos (en couleur) que ne le lui permet l'espace restreint de l'expo. Ses portraits et scènes sociales, la quantité de photos en font une réussite.

Carl de Keyzer présente Malte, dans un style proche de celui de Parr. Photos en couleur de grand format, très lumineuses et souvent ironiques. En sus, deux écrans diffusent des séries de portraits de Maltais.

Lise Sarfati présente la Lituanie par un diaporama (accompagné d'une bande-son), constitué d'une galerie de photos en couleur de jeunes filles lituanienne sur leurs lieux de vie.

Mark Power présente la Pologne par quelques photos en couleur de grand format sur plexiglass. L'ampleur et la définition des photos font un bel effet.

Donovan Wylie présente l'Estonie par une galerie de photos en couleur de petit format représentant chacune un Estonien marchant dans la rue, toujours placé au centre et photographié de pieds.

Martine Franck présente la Tchéquie par un film de photographies en noir et blanc, accompagnés d'entretiens et de musique. La famille Fárová, composée essentiellement d'artistes, est ainsi présentée ainsi que le quartier historique de Prague dans lequel se trouve sa maison familiale.

Alex Majoli présente la Lettonie par un multi-diaporama de photos en noir et blanc, mêlant portraits et lieux.

Enfin, la meilleure des parties de cette exposition est pour moi celle de Peter Marlow, qui présente Chypre dans une pièce dont les quatre murs sont couverts de nombreuses photos carrées en couleur de petit format, constituant une sorte de kaléidoscope de l'île divisée. La photographie de format carré donne ainsi une vue parcellaire, qui individuellement, isolément, ne peut donner une vision du pays. Au contraire dans la photo 24×36, chaque vue se suffit, est un monde en soi, représente le monde, comme le champ rectangulaire de la vision humaine. La prise de vue de format carré est au contraire un "spot", qui peut isoler un objet dans la vision humaine et n'a pas besoin d'appui sur les contours de la photo (cadre de fenêtre, arbres, ...). La vision du pays provient de l'accumulation de ces vues fragmentaires. Marlow photographie ainsi notamment une série de panneaux étonnants.

Photo : Henri Gay 2005

Terry Riley et le mouvement répétitif

Mercredi 19 octobre 2005 au soir (de 21 h à 22 h), l'émission Décibels sur France Culture ("Terry Riley, un compositeur en majeur") était essentiellement consacrée à Terry Riley, l'un des deux fondateurs, avec La Monte Young, du mouvement de musique répétitive. Néosphères présente bien (en français...) Riley et sa discographie.

Comme Willy Ronis a été éclipsé par Robert Doisneau en photo, Young et Riley auraient été éclipsés par Steve Reich et Philip Glass, plus affichés, prolifiques et plus mélodiques. Néanmoins, force est de constater que Riley est très absent des bacs des disquaires et Young quasi totalement inédit au disque.

J'ai deux disques de Terry Riley : "Salome Dances for Peace" par le Kronos Quartet et l'oeuvre fondatrice "In C" par le Bang on a can. Passionné de musique répétitive, je prévois d'acquérir la discographie complète (disponible...) de Terry Riley, avec en priorité :
- "The Persian Surgery Dervishes" (éd. Shandar, 1972 ; rééd. New Tone, 1993),
- "Shri Camel" (éd. CBS Masterworks, 1978),
- "Dorian Reeds" (éd. Organ of Corti, 1998),
- "Mescalin mix" (éd. Organ of Corti, 2000),
- "Cadenza on the wind" (éd. New music, 1986).

Dans ce dont je dispose et que je connais actuellement de son oeuvre, c'est "In C" qui domine largement.

L'émission nous apprend que sortira en mars 2006 l'album "The last camel in Paris" (éd. New Albion).

Christian de Portzamparc : après les modernes

J’ai assisté mardi 18 octobre (sur mon lieu de travail !) à une conférence de l’architecte Christian de Portzamparc dans le cadre des « Rencontres d’architecture » (destinées aux personnels du ministère de la culture), dans laquelle il a présenté son œuvre récent. Son exposé est clair, pratique et technique. Pas de fioriture, pas de beau discours hyperbolique et égocentrique, qui caractérisent la plupart des discours d’architectes et de critiques d’architecture. Les seules fleurs que Portzamparc se jette, c’est la satisfaction des usagers et riverains de ses constructions (toujours discutable).

C’est vrai que son souci du contexte (l'intégration du bâtiment dans le lieu et l'attention portée aux riverains), son souci de la fonctionnalité (la diffusion du son, de la lumière) et de l'agrément (les lieux de vie, les points de vue que le bâtiment crée pour ses usagers) sont remarquables.

Il a présenté quatre opérations, deux récemment achevées et deux en cours :

- la restructuration de l’immeuble du 80 boulevard Blanqui à Paris (13e) [2001-2004], aujourd'hui siège du journal Le Monde (qui en est locataire).

- la salle philharmonique du Luxembourg, ouverte au public cette année [1997-2005] : elle fut l’occasion de développer son expérience acquise en matière de conception de salles de concert. Une salle de concert est, elle aussi, un instrument de musique, et le chef d’orchestre Emmanuel Krivine l’a ainsi invité à venir saluer l’auditoire à ses côtés…

- le projet de Cité de la musique à Rio de Janeiro [2002-] : le bâtiment sur pilotis au dessus d’un parc arboré et d’une lagune propose plusieurs salles (de concert, de danse, de cinéma) autour d’un grand hall. En cours de construction, c’est de loin la plus belle des quatre opérations présentées ici par l’architecte et sans doute l’une des plus belles de sa carrière.

- le projet de la tour Kalimian (Park Avenue South Tower) à New York [2003-] : cette tour de logements figurera parmi les six plus hauts immeubles de la ville. Après la tour LVMH (siège de la société à Manhattan), ce fut l’occasion de raconter son expérience américaine.

Les formes courbes (les vagues, les formes plus organiques), ainsi que les couleurs, que l’on trouve à la Cité de la musique de Paris (ici : photo du Conservatoire, prise le 14 mars 2005), ont presque disparu de son œuvre actuelle. En revanche, si les formes droites dominent, elles refusent les perpendiculaires et les symétries. Ce qui me semble caractériser le Portzamparc contemporain, ce sont plutôt des formes droites mais obliques (de biais), anguleuses (pointues), des plis, des prismes. Ses formes n’en sont pas moins naturelles, en témoigne la tour Kalimian qui prend la forme d’un bloc de cristaux.

On a donc affaire à un refus du modernisme (l’angle droit), sans basculer dans le post-modernisme, au sens de fin de l’Histoire, qui ne laisserait place qu’au pastiche des formes passées. A propos de la Cité de la musique de Rio de Janeiro, Christian de Portzamparc fit ainsi l’éloge de l’architecture moderne brésilienne (« Le modèle de Le Corbusier, on dirait que c’est fait pour le Brésil ! »). Avec Portzamparc, sans pour autant croire à l’avenir radieux, la création est donc possible.

Photo : Henri Gay 2005

La revanche de Willy Ronis

Le photographe Willy Ronis, 95 ans, revient au premier plan. Un entretien sur France Culture (Surpris par la nuit : Mat ou brillant ? - "Willy Ronis : une vie de photographe") mardi 11 octobre au soir m'informe qu'il fera l'objet d'une importante exposition à l'hôtel de ville de Paris, du 19 octobre 2005 au 18 février 2006 (entrée libre !), et de deux livres.

J'ai acheté le premier livre, paru chez Taschen. A propos de cet ouvrage, on peut voir :
- le site des éditions Taschen (voir la vidéo d'une interview de Ronis),
- sa présentation par Photosapiens.

Le Monde publie 3 portfolios (les 2 premiers sont sonores) :

- "Quand Willy photographie Ronis"

- "Willy Ronis : retrouvailles"

- "Willy Ronis, rue de la Huchette, 1957"

Un second livre, Paris éternellement, vient de paraître chez Höebeke avec l'expo.

Rappelons que Ronis fait aussi partiellement l'objet de l'exposition "Trois photographes humanistes" au Musée Carnavalet (Mairie de Paris) du 21 septembre 2005 au 15 janvier 2006.

Enfin, j'ai vu l'exposition de 26 tirages d'époque "Willy Ronis Vintages 1934-1976" à la galerie Camera Obscura (268 bd Raspail, Paris 14e, du 9 septembre au 15 octobre 2005). Pourtant Ronis affirme, très justement : "J'ai eu [...] toujours un labo photo : j'aime développer moi-même, regarder les planches-contact, tirer et agrandir. Ce qui me plaît, c'est la fabrication, la répétition. C'est pour cela que je suis réticent à la photo vintage. Ca me met mal à l'aise, c'est une mode, un snobisme. Une photo ne doit pas être rare, ni précieuse. Je me refuse à faire des tirages limités pour faire monter les prix, c'est trop du commerce. La photo, c'est démocratique." (Libération, 19 octobre 2005, "Si Ronis m'était conté", entretien avec Antoine de Baecque)

Après la disgrâce, sa longévité lui aura donc permis de connaître le retour en grâce. J'ai découvert ce photographe le 2 février 1997 par l'exposition rétrospective que lui avait consacrée le Pavillon des arts (Mairie de Paris, toujours !) du 31 octobre 1996 au 4 février 1997, et je place l'oeuvre et le bonhomme au sommet de mon panthéon photographique. J'ai ainsi écrit sur son oeuvre dans les Cahiers de médiologie (n°3, 1er semestre 1997, p. 293) : "Willy Ronis : humour, système, humour systématique", pour essayer de briser l'image banale de l'oeuvre de Ronis, qui serait consensuelle et le produit d'une pure spontanéité.